SOUL

         El soul es un género musical originario de Estados Unidos, que combina elementos de góspel (música espiritual de la comunidad afroamericana), doo-wop (música realizada a capella) y rhythm and blues (la base del futuro rock and roll). Esta música surgió de los descendientes de los esclavos que habían llegado tiempo atrás al país, caracterizada por los ritmos pegadizos, acentuados por palmas y movimientos corporales espontáneos. Otras características son la llamada y respuesta entre solista y coro, como si se estableciera un diálogo entre ellos, un sonido vocal tenso y, ocasionalmente, giros y sonidos auxiliares, dejando una parte a la improvisación.

         El soul tuvo su época de máximo esplendor entre los años 1960 y 1980, cuando esta música evolucionó hacia otros estilos, aunque en realidad no podemos decir que se haya extinguido, simplemente ha variado hacia otros modelos.

         De la infinidad de artistas que podríamos nombrar, destacamos los siguientes:

RAY CHARLES

         Nacido en Albany en 1930 y fallecido en Beverly Hills en 2004, Ray Charles es considerado como el padre del Soul. A causa de un glaucoma, una enfermedad de la vista, Ray Charles quedó completamente ciego a la edad de 10 años, lo que no le impidió desarrollar una inmensa carrera musical (y personal: ¡¡tuvo doce hijos con diez mujeres diferentes!!)

         Aquí tenéis un par de éxitos suyos: el primero es “Unchain my heart”, canción que, curiosamente, se haría mundialmente conocida no por Ray Charles, sino por una versión de Joe Cocker, del año 1987, es decir, muy posterior. Vemos la original:

         Y, por qué no, ved la versión de Cocker… ¿cuál os gusta más?

La siguiente es el primer número uno que consiguió, “Hit the road, Jack”, en una actuación de 1996.

SAM COOKE

         Si Ray Charles fue conocido como el padre del soul, Sam Cooke, nacido en  Mississippi en 1931, y fallecido el Los Angeles en 1964, lo fue como el Rey del soul, por haber logrado una treintena de éxitos entre 1957 y 1965.

          Fue el primer cantante afroamericano en fundar su propia empresa discográfica, SAR records. Además, fue un dinámico activista dentro del movimiento por los Derechos Civiles, que buscaba, por medio de una lucha no violenta, la igualdad ante la ley a los grupos y etnias que por aquel entonces no lo eran, fundamentalmente contra los negros. Un ejemplo de esa desigualdad que existía en los Estados Unidos en esa ápoca fue, precisamente, la muerte de Sam Cooke. Murió asesinado en extrañas circunstancias, cuando una encargada de un motel de Los Angeles disparó contra él, confundiéndole con un asaltante. El caso apenas fue investigado, ya que se trataba de un hombre de raza negra, y se declaró a la encargada como inocente, diciéndose que había actuado en legítima defensa. Aún hoy, el caso despierta muchas dudas.

El primer tema que vamos a ver y oir fue, precisamente, su primera grabación, “You send me”:

El segundo estoy segurísimo que lo habéis oído en alguna ocasión: “Wonderful world”:

JAMES BROWN

         Nacido en Carolina del Sur en 1933 y fallecido en Atlanta, en 2006, era considerado como el Padrino del Soul (había apodos para todo el mundo…). Como muchos artistas negros de su época, no tuvo una vida sencilla, ya que nació en una familia pobre de un barrio marginal. Hizo múltiples trabajos para sobrevivir, e incluso cayó en la delincuencia, hasta el punto que cumplió condena por robo a mano armada. También tuvo problemas con el alcohol y las drogas, lo que le costó otra condena de cárcel en 1988.

         James Brown comenzó su carrera como cantante de góspel, pasando por el Rhythm and blues y el soul, donde se hizo conocido mundialmente con grandes éxitos, aunque no se limitó a quedarse en esta zona de confort, sino que continuamente experimentaba nuevos sonidos y técnicas en sus creaciones. Fue también uno de los causantes de la expansión del funk, un estilo que influiría enormemente en otros posteriores.

         Aquí tenemos dos de sus canciones más famosas, que han sido versionadas infinidad de veces por múltiples artistas. La primera es “I feel good”:

          La segunda seguro que alguno la conoce, aunque seguro también que no conoce el título. Es “Get up (I feel like being a) sex machine” o, también conocida, simplemente, “Sex machine”:

ARETHA FRANKLIN

         La Dama del soul (o Reina del soul, que también se la conoce así), vino al mundo en 1942 en la localidad de Memphis, y aún no se ha ido de él, por fortuna. A diferencia de otros artistas de la época, Aretha Franklin nació en una familia de clase media. Su padre era predicador y su madre cantante de góspel, donde creció rodeada de cantantes y músicos, de los que fue aprendiendo.

         A mediados de la década de 1960, se consolidó como una estrella del soul, lo que utilizó a favor de los derechos raciales en Estados Unidos, influyendo enormemente dentro del movimiento racial (a favor de los negros) y de la liberación de la mujer. En el año 2009 asistió como invitada a la toma de posesión del primer presidente negro de los Estados Unidos, Barack Obama, donde cantó el tema “My Country tis of Thee”:

         Pese a ser considerada como una estrella del soul (con toda la razón), Aretha Franklin desarrolló a lo largo de su carrera otros estilos, desde el góspel, el jazz, pop, rock y, en una última etapa, la música disco.

         Veamos tres éxitos mundiales de la gran Aretha Franklin. El primero es “Think”, canción de 1968. La canción es un himno feminista, seguro que os suena:

          La segunda se titula “Respect”, quizá su canción más famosa, aunque en realidad no es suya. Aretha versiona un tema del mismo título creada por Otis Redding en 1965, mientras que su versión data de 1967. También la conocéis seguro:

         Y la tercera que vamos a ver es, seguramente, la más conocida de su obra. Se trata de “I say a Little prayer”:

BARRY WHITE

         Nacido en Texas en 1944, creció en una familia muy pobre, en un barrio conflictivo de la ciudad de Los Angeles, y falleció en esta misma ciudad en 2003, debido a una enfermedad del riñón. Estos origines tan humildes hizo que formara parte de una pandilla juvenil desde los 10 años de edad, siendo encarcelado durante dos meses a los quince años por robar neumáticos. Sin embargo, su estancia en prisión le hizo ver que ese no era el camino correcto, y decidió cambiar de vida y de amigos. Así, entró a formar parte de una fraternidad en la que tocaba el piano y cantaba en el coro de la iglesia.

Lo más característico de Barry White era su impresionante voz, de timbre muy grave y ronco, de estilo varonil y romántico pero, curiosamente, al comienzo de su carrera musical sus primeros éxitos los obtuvo como productor de otros artistas, hasta que su casa discográfica le propone que sea él quien cante sus propios temas. A partir de ese momento, llegarían gran cantidad de temas exitosos.

         Fue inspiración también para la televisión, donde apareció en series como Ally Mc Beal, South Park (como inspiración del personaje del Chef), o en esta serie protagonizada por una familia amarilla que seguro conocéis y, probablemente, incluso hayáis visto este capítulo:

Pues ya que estamos, disfrutamos escuchando el tema entero, “Can’t get enough your love baby”, uno de sus primeros éxitos.

          Y, por supuesto, no puede faltar el gran tema, el que convirtió en inmortal al gran Barry White, “You are the first, my last, my everything”:

OTIS REDDING

Nacido en Dawson (Georgia) en 1941 y trágicamente fallecido en Madison (Wisconsin) en 1967, debido a un accidente de avioneta cuando estaban a punto de aterrizar, Otis Redding fue conocido como el “Rey del Soul” (compartiendo título con Sam Cooke) en reconocimiento a su habilidad para transmitir emociones a través de su voz.

         A los cinco años de edad su familia se trasladó a la localidad de Macon. Tuvo que dejar pronto el colegio para ayudar económicamente a su familia, trabajando con la banda Upsetters. En esa época participaba en un concurso de talentos que, después de ganarlo 15 veces… ¡¡le prohibieron participar más!!

         Debida a su temprana muerte, la mayor producción musical de Redding se publicó después de su fallecimiento. Con todo y con eso, tuvo tiempo de alcanzar una gran fama entre el público, y de ser una figura de referencia entre artistas de su época y otros que vendrían después.

         Entre sus grandes éxitos, vamos a escuchar estos tres. La primera es “Shake”, del año 1967: 

          La segunda representa el primer gran éxito Otis Redding, la famosísima y versionadísima “(Sittin’ On) The Dock of the Bay”, de enero de 1968. Lógicamente, no disfrutó de este éxito, ya que falleció un mes antes.

        La tercera que vamos a escuchar no se queda atrás en fama y reconocimiento. Se trata de “My girl”, también muy versionada y tema principal de la película del mismo título del año 1991.

Como habéis podido ver, estos autores podemos llamarlos “clásicos”. Pero el soul no se quedó ahí. En la actualidad también hay artistas que siguen haciendo grandes temas de este estilo (diferente, evolucionado, pero soul al fin y al cabo), como estas dos mujeres que vamos a ver a continuación:

ADELE

         Adele Laurie Blue Adkins, más conocida sencillamente como Adele, nació el 5 de mayo de 1988 en Londres. Compositora y cantante dotada de una prodigiosa voz, la historia de Adele es bastante curiosa.

          Como parte de un curso que estaba haciendo, grabó algunas demos que un amigo suyo subió a la web MySpace. Casualmente, el productor Richard Russell, del sello discográfico XL Recordings las vio y se enamoró de su voz. Russell contactó con Adele y quedaron para verse, y aunque inicialmente ella no quería ir, ya que se pensaba que era una broma, acudió acompañada por un amigo y firmó su primer contrato discográfico. Esto ocurrió en el año 2006.

         Su fama se extendió por toda Inglaterra y toda Europa como un reguero de pólvora. Sin embargo, el éxito en Estados Unidos tardó un poquito más en llegar, concretamente hasta el 18 de octubre de 2008 cuando, tras una actuación en el famosísimo programa de televisión Saturday Night Live (con una audiencia de más de 17 millones de espectadores), se hizo tremendamente famosa allí.

         Adele ha situado varios temas en los números uno de diferentes listas de éxito por todo el mundo, en Spotify, iTunes, etc. Y una de ellas, además, consiguió ganar un Grammy, un Globo de Oro y un Óscar a la mejor canción original. ¿Sabéis en qué película salía este tema?

          Era fácil. Se trata de Skyfall, canción central de la 23ª película del mismo título protagonizada por el agente más famoso de la historia del cine, James Bond:

         Veamos ahora los que, probablemente, son los temas más conocidos de Adele, ambos números uno en su momento. La primera se trata de la preciosa balada “Someone like you”:

          La segunda es una canción que consigue ponerme los pelos de punta cada vez que la escucho, la maravillosa “Rolling in the Deep”. Disfrutarla:

          El tercer éxito pertenece a su tercer disco, “Hello”. Aquí la tenéis:

         En noviembre de 2021, Adele publica su cuarto trabajo, “30”. De este disco, vamos a escuchar su primer sencillo, “Easy on me”:

AMY WINEHOUSE

         Nacida en 1983 y trágicamente fallecida en 2011, esta londinense, cuya voz fue definida como “acústicamente poderosa, capaz de expresar profundamente sus emociones”, logró destacar en el mundo de la música desde muy joven. Con apenas veinte años publicó su álbum debut (“Frank”), y con solo veintitrés se consagró como estrella mundial con su segundo y último trabajo (“Back to black”), después de ganar cinco premios Grammy, lo que la situó en el punto de mira de todos los medios de comunicación alrededor del mundo.

         Amy estaba dotada de un enorme talento para la composición y el canto. Sin embargo, era una persona emocionalmente inestable, con graves problemas de drogas y alcohol. Su vida privada era un desastre, se puede decir que fue víctima de sus adiciones y su personalidad autodestructiva.

         Hacia el final de su vida, era habitual que saliera a cantar en los escenarios con la mirada perdida, completamente ebria, lo que, lógicamente, provocaba que no pudiera cantar ni una sola nota en condiciones. Su ocaso de produjo durante un concierto el 18 de junio de 2011 en la localidad de Belgrado (Serbia), cuando se presentó completamente drogada y alcoholizada, protagonizando un espectáculo bochornoso que la obligó a cancelar el resto de la gira.

         Un mes más tarde, el 23 de julio de 2011, fue hallada muerta en su apartamento de londinense barrio de Camden, a la edad de 27 años (la misma que fallecieron otras leyendas de la música, como Kurt Cobain, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Brian Jones o Janis Joplin). La causa de la muerte, según la autopsia, fue un consumo exagerado alcohol, lo que la provocó un coma y la muerte. En el mercado de Camden, el barrio donde vivía y murió, hay una estatua que la recuerda:

          Como habéis visto, su producción musical no fue muy extensa ya que no tuvo tiempo. Vamos a destacar estos tres temas, todos ellos de su segundo álbum. El primero que vamos a escuchar es el que dio título al trabajo. “Back to black”:

         El Segundo se trata de “You know I’m not good”:

         Y por último, la que probablemente sea su canción más conocida, “Rehab”:

THE ROLLING STONES

          Corría 1963 cuando cinco chavales llamados Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman y Charlie Watts formaban el grupo más longevo de la historia, ya que siguen actuando hoy en día…seguro que con solo ver su logo sabéis quienes son:

         Si Brian Epstein fue clave en el despegar de los Beatles, igual de importante fue la figura de Andrew Loog Oldham, que a la temprana edad de dieciocho años se convirtió en el manager de los Rolling (curiosamente, Oldham trabajó para Epstein hasta que decidió independizarse de él).

         Si Epstein educaba a sus chicos, Oldham potenciaba toda su perversa y maliciosa oscuridad juvenil; los Beatles actuaban de uniforme, los Rolling la única norma era el reto, la provocación, la anarquía de su sonido, la potencia…

Los Beatles eran los chicos buenos, los Rolling eran los malos. Desde la propia industria se fomentó ese enfrentamiento entre los dos grupos, pero que en realidad no existió en ningún momento, ya que, como veremos, los Beatles fueron una de las principales ayudas que tuvieron los Stones al comienzo de su carrera.

Lo primero que hizo Oldham fue, por supuesto, buscar una compañía discográfica para sus chicos. Los llevó a Decca (recordad, la misma que rechazó a los Beatles) y, aunque en realidad tampoco les entusiasmaron, por miedo a equivocarse, les dieron una segunda oportunidad. La intervención de George Harrison, que reconocía que los Rolling le entusiasmaban, hizo que Decca les contratara, posiblemente por miedo a otro fracaso histórico.

En pleno éxito de los Beatles, el primer single de los Rolling no tiene demasiado éxito. Es entonces cuando John Lennon y Paul McCartney asisten a un concierto de los Rolling. Al finalizar el concierto, comienzan a charlar sobre música y los Stones le comentan a los dos Beatles que tienen una canción medio terminada, pero que no les termina de gustar del todo. En unos minutos, Lennon y McCartney se la terminan y se la ofrecen como segundo single. Así, el apoyo de los Beatles acabaría por lanzar a sus máximos rivales, que como hemos dicho nunca lo fueron. Entre ellos existía el máximo respeto y admiración, colaboraban mutuamente, jamás se estorbaron, se repartían el mercado y nunca hubo nada raro entre ellos, a pesar que los medios de comunicación intentaron provocar por todos los medios peleas o disputas entre ellos.

Los Rolling comenzaron a desarrollar su extensísima carrera musical, y ya en 1965 publicaron la canción que, a día de hoy, no puede faltar en sus conciertos: “(I can’t get no) Satisfaction”:

De repente, los Stones se convierten en el “enemigo público número 1”. Son provocadores, rebeldes…Mick Jagger es un huracán en el escenario. Su cadena de altercados comienza en Estados Unidos, en Europa hay peleas en un concierto, en París los fans arrasan con todo después de un concierto… La prensa les llega a definir como “peludos con estilo macarra”.

Pero la banda seguía a lo suyo, a componer excelentes canciones, y un ejemplo de ellas es este “Paint it, black”, de 1966:

Sus problemas no terminarían aquí. En 1967 fueron acusados por un periódico inglés de consumo de drogas y fueron detenidos y condenados por ello, aunque sus condenas fueron revisadas y, finalmente, quedaron absueltos por falta de pruebas.

A principio de 1968 deciden cambiar de manager. Allen Klein, excontable del grupo, es el elegido. Fue un modo de agradecerle que, gracias a su trabajo, el grupo había ganado una gran cantidad de dinero.

Mientras, ellos seguían haciendo lo que mejor sabían, grandes canciones, como este “Jumpin’ Jack Flash”, lanzado como sencillo previo al disco “Beggars Banquet”, que les devolvería a lo más alto del panorama musical:

 Y de ese disco destacamos “Sympathy for the devil”:

Sin embargo, no todo eran buenas noticias en el seno del grupo. Brian Jones, con graves problemas de salud, llega a un acuerdo para dejar el grupo. Le sustituye Mick Taylor. Desafortunadamente, un mes más tarde, se encuentran a Jones ahogado en el fondo de la piscina de su casa…

En 1970, tras muchas disputas legales, se independizan de Allen Klein y del sello Decca y fundan su propia discográfica, Rolling Stones Records. El primer disco que sale de esa nueva compañía es el mítico “Sticky Fingers”, de la cual destaca la no menos mítica “Brown sugar”:

 Posteriormente, el grupo entró en un bache creativo, provocado por los problemas internos del grupo (demasiados egos conviviendo…). No obstante, publicaban canciones tan maravillosas como la balada “Angie”, del álbum “Goats Head Soup”, de 1973:

 O “It’s only rock and roll”, del disco del mismo título de 1974:

 Pese al éxito de la banda, las constantes peleas entre Jagger y Richards hacen que, a finales de 1974, Taylor abandone el grupo, sustituyéndolo Ron Wood, que continúa en el grupo a día de hoy.

 La producción discográfica del grupo sigue siendo prolífica, y aunque los discos de siguen vendiendo muy bien, las críticas, en ocasiones, no son especialmente buenas.

 En 1981 se publica el trabajo “Tattoo you”, con otro imprescindible de los Rolling, la grandiosa “Start me up”:

Entre 1983 y 1988 el grupo entra en una importante crisis creativa y de convivencia. Jagger y Richards emprenden aventuras en solitario, dejando de un lado al grupo. Además, la muerte del bajista Ian Stewart deja emocionalmente muy tocado al grupo, ya que era un intermediario entre los conflictos de Mick y Keith.

A partir de 1989 hasta la actualidad (recordemos que los Rolling siguen en activo) el grupo se convierte en una perfecta máquina de ganar dinero. Si sus discos no logran tener la calidad de sus primeros trabajos, sus conciertos son siempre memorables, atrayendo a una legión de incondicionales fieles deseosos de ver una vez más a sus ídolos.

No obstante, publican algunos discos con material nuevo, como “Steel Wheels”, “Voodoo Lounge”, “Bridges to Babylon” y “A bigger band”, así como otros trabajos en directo o de versiones.

De “A bigger band” es el último tema que vamos a escuchar, “Biggest Mistake”:

 A día de hoy, de la formación inicial de la banda, solo permanecen dos miembros, Mick Jagger y Keith Richards, ya que, desgraciadamente, Charlie Watts nos dejó el 24 de agosto de 2021. Como ya hemos dicho, a finales de 1974 se incorpora Ronnie Wood (aunque, curiosamente, la web oficial del grupo lo fecha en 1975); mientras que el bajista Darryl Jones, a pesar de tocar con ellos desde 1993, no es considerado miembro oficial…cosas que no se explican…

El 6 de septiembre de 2023, los Rolling anunciaron por sorpresa la publicación de un nuevo disco después de un periodo de 18 años, “Hackney Diamonds”, que fue lanzado el 20 de octubre. De ese disco, el primer tema que presentaron fue “Angry”. Aquí tenéis el videoclip, con un marcado aire ochentero:

BLOWIN IN THE WIND

Aquí tenéis la partitura de esta maravillosa canción de Bob Dylan:

SWING

         La música swing es una variación del jazz que se originó en Estados Unidos a finales de los años 20, y se convirtió en popular durante la siguiente década.

         El swing utiliza los instrumentos habituales del jazz, pero con diferencias:

-        La batería se convierte en el único instrumento con función totalmente rítmica.

-        Aumenta el número de músicos en las bandas (big bands).

-        Se comienza a utilizar de formar habitual el “riff”, que es una frase corta repetida varias veces para crear una sensación de tensión. Este recurso técnico será básico en estilos musicales posteriores.

Otra gran diferencia con respecto al jazz es su estructura formal. El swing es una música compuesta y escrita, aunque se seguía dejando un pequeño espacio para la improvisación (que, recordemos, era básica en el jazz), y cuidadosamente orquestada, con una estructura rítmica, melódica y armónica claramente definida e invariable.

También irrumpen los arreglistas, que son personas cuyo trabajo consiste en mejorar las canciones que los artistas crean desde un punto de vista formal, es decir, melódica y armónicamente.

Podíamos nombrar a cientos de artistas y compositores que creaban e interpretaban swing, pero nos vamos a limitar a ver tres ejemplos de tres grandes artistas: Glenn Miller, Louis Prima y el grandísimo Frank Sinatra.

Glenn Miller – “In the mood”

Louis Prima – “Just a Gigolo”

Mirad… ¿¿de aquí sacaron la idea para Rasca y Pica??:

Frank Sinatra – “Fly me to the moon”

         Hablaremos un poquito de Frank Sinatra, ya que su importancia musical fue enorme. Está considerado uno de los mejores cantantes de la historia (le apodaban “La Voz”). Su popularidad fue enorme durante toda su vida. Su capacidad interpretativa se basaba en cómo era capaz de transmitir las emociones y los sentimientos implícitos en las letras de las canciones que interpretaba. Sinatra fue el primer artista que uso la amplificación del sonido para colocar su voz por encima del sonido de la orquesta, con el fin de acercarla aún más al oyente.

         También tuvo una importante carrera como actor (llegó a ganar un Oscar), y una vida personal bastante intensa…aunque eso lo dejaremos para otra ocasión. Aquí tenéis “Fly me to the Moon”:

Vamos a ver como tocamos de bien el comienzo de esta canción:

CHARLESTON

         Este baile se origina en la ciudad de Charleston (de ahí el nombre), Estados Unidos, en 1903. Parece que su origen está en una danza africana llamada Juba. Se hizo tremendamente famoso en la década de 1920. Su primer gran éxito se dio en 1923 con una canción llamada “The Charleston”, de James Johnson.

         Para comprender el éxito de este baile es necesario entender el contexto histórico en el que estaba Estados Unidos en esta época. En Europa acababa de terminar la I Guerra Mundial, que provocó la devastación en nuestro continente. Sin embargo, Estados Unidos conocía una época de gran prosperidad económica debida, precisamente, a la guerra. De hecho, esta etapa llegó a ser conocida como “los felices años veinte”. Había demostrado su supremacía política y tecnológica, y ahora comenzaba a manifestar su supremacía cultural, fundamentalmente en el ámbito de la cultura popular. Así, el Charleston fue un ritmo, pero también un símbolo, que caracterizó esta época de despreocupación y frivolidad, época llena de cambios sociales y culturales, como decimos.

         Este baile podía realizarse individualmente o por grupos, alternando brazos y piernas principalmente, con patadas adelante o hacia atrás. Es un baile con coreografías muy variadas y con figuras extrañas, como la llamada Susi Q, en la que las rodillas parece que cambian de lado, cuando lo que se cambia con las manos que están sobre las rodillas.

        Mirad este vídeo, por si alguien se anima a aprender a bailarlo:

Algo muy habitual eran los “piques”, donde un bailarín realizaba sus pasos mientras los demás bailaban alrededor, después otro bailarín le sustituía “picándose” y compitiendo para hacerlo igual o mejor que el anterior.

         El Charleston llegó a ser tan popular en Europa, que casi el 80% de la población lo practicaba. Su fama fue tan grande como exigua, ya que a partir de 1927 comenzó a decaer y, prácticamente, se dejó de practicar.

POSICIONES FLAUTA DULCE

Si tenéis dudas, aquí tenéis las posiciones de la flauta que vamos a utilizar:

THE BEATLES

Comenzaremos este viaje en el año 1962, concretamente el día 5 de octubre. Ese día, se publicaba el single “Love me do”, tema compuesto por cuatro chicos de la ciudad inglesa de Liverpool llamados John Lennon (voz y guitarra rítmica); Paul McCartney (voz y bajo); George Harrison (voz y guitarra solista); y Ringo Starr (voz y batería). A lo mejor por estos nombres no los reconocéis, pero seguro que sí por su nombre artístico:

THE BEATLES

          Debemos remontarnos unos años atrás para ver la historia del grupo. El 15 de julio de 1957, en un picnic organizado por una parroquia, se conocen Paul McCartney y John Lennon. Paul le dice a John que sabe tocar la guitarra, y entra en los Quarrymen, grupo que había formado Lennon el año anterior. En pocos meses habían compuesto más de 200 canciones, algunas que serían fundamentales con los Beatles. Tiempo más tarde, McCartney introduce a George Harrison en el grupo, pese a la oposición de Lennon, no porque dudara de su calidad como guitarrista, sino porque era demasiado joven aún.

         Utilizaron muchos nombres hasta, en 1960, dar con el que pasarían a la eternidad, The Beatles. Es esa época, tocaban donde, como y cuando podían: en su Liverpool natal eran considerados como la mejor banda de la ciudad, y no era fácil, ya que en esa época surgieron más de 350 grupos en pocos años. Sus conciertos en el club “The Cavern” han pasado a la historia. Pero no sólo tocaban en Inglaterra. Fueron habituales sus estancias en la localidad de Hamburgo (Alemania), donde tocaban a menudo y, en ocasiones, se buscaron problemas con las autoridades locales.

         Y, pese a ser tan populares en Liverpool, no conseguían editar ningún disco, ya que eran continuamente rechazados por todas las compañías discográficas. No fue hasta que llegó a la vida del grupo Brian Epstein, que quedó prendado del grupo cuando los escuchó en The Cavern, cuando logró que el sello Decca les realizara una grabación de quince canciones que, posteriormente, no llegaron a editar ya que, consideraron, “los grupos de guitarra están en pleno declive”. Seguramente, ese fue el mayor error de la historia de la música…

         Epstein se convirtió en el manager del grupo y fue, posiblemente, el responsable del enorme éxito del grupo, lo que le llevó a ser conocido como “El quinto Beatle”. Su tesón logró que la compañía EMI les grabara, en 1962, una maqueta con cuatro canciones que, esta vez sí, se convirtieron en el germen de lo que sería el primer disco del grupo, “Please please me”, con su primer single que, como hemos dicho, se llamó “Love me do”:

Curiosamente, el tema no fue excesivamente bien recibido. Todo lo contrario que “She loves you”, cuarto sencillo que vendió más de un millón de copias:

         A partir de este momento, se desató una “Beatlemanía” por todo el mundo, hasta el punto que, en ocasiones, la policía debía dispersar con mangueras de agua a las multitudes que intentaban acceder al grupo. Sus records en los años 60 no tienen comparación: dominaron la música de su tiempo, crearon modas, estilos y tendencias.

         En febrero de 1964, el grupo despegó desde Londres rumbo a Estados Unidos, haciendo que la Beatlemanía comenzara su expansión por todo el mundo. Pese a haber vendido muchos discos en América, los Beatles no tienen todas consigo acerca de si van a triunfar al otro lado del Atlántico, ya que, al fin  y al cabo, su territorio era Europa. Las dudas se disipan cuando, al llegar a Nueva York, una multitud les recibe en el aeropuerto y, sobre todo, cuando aparecen en televisión y el programa The Ed Sullivan Show consigue una audiencia de 74 millones de personas (la mitad de la población del país en aquel entonces).

Durante este año de 1964, los Beatles realizan muchísimos conciertos alrededor de todo el mundo, donde asistían a cada uno de ellos una media de 20.000 personas, que cantaban y gritaban de forma enfurecida. Tanto, que la música apenas era audible, ya que los gritos de los fans conseguían acallar las notas que salían por los modestos amplificadores de la ápoca. De esa forma, comenzaron a aceptar que ni ellos ni el público pudieran escuchar con calidad los detalles de su actuación. Por ello, la banda comenzó a aburrirse cada vez más de la rutina de los conciertos y las giras.

         Mientras tanto, el 10 de julio publicaban su tercer álbum, “A Hard Day’s Night”, que fue un éxito rotundo. Fue el primer disco en contener exclusivamente composiciones originales. Su canción más conocida es la que da nombre al disco: “A hard day’s night”:

También se convirtió en la banda sonora de lo que fue su primera película, titulada de igual forma que el disco que, para variar, también fue otro gran éxito.

El grupo llevaba un ritmo de trabajo altísimo. Así, a finales de 1964 publicaban un nuevo trabajo titulado “Beatles for sale”.

En 1965 se estrenaba la segunda película: “Help!”. A diferencia de “A hard day’s night”, “Help!” no tuvo ni mucho menos el éxito que se esperaba, ni de crítica ni de público. De hecho, el propio Paul McCartney consideraba que “la idea para una película estuvo un poco errada”. A continuación de la película, se publicaba la banda sonora de la película, el disco “Help!” (no se complicaban la vida con los títulos, no…). Este trabajo contiene dos de las canciones más míticas de los Beatles, la propia “Help!” y la maravillosa balada “Yesterday”, el tema más versionado de la historia de la música. Aquí tenéis “Help!”:

Y, por favor, disfrutad con “Yesterday”. Canción atípica en la discografía del grupo, ya que de los cuatro miembros solo interviene Paul McCartney, acompañado de un cuarteto de cuerda:

Y aquí la tenéis, para que aprendamos a tocarla:

         Para terminar este año de 1965, publicaron el álbum “Rubber Soul”, que fue considerado por los críticos como un gran paso adelante en la madurez y complejidad de su música.

En agosto de 1966, publicaron en álbum “Revolver”, disco que representó otro paso adelante en la producción musical de los Beatles, con grandes temas como “Eleanor Rigby”, que trata sobre la soledad:

O este otro, el famosísimo “Yellow submarine”, extraña canción que, según Paul McCartney, se le ocurrió una noche mientras estaba tendido en su cama, en esos momentos mientras se está dormitando, es decir, no se está ni dormido ni despierto… Opinad vosotros mismos:

Sin embargo, no todo eran buenas noticias para el universo Beatle. Como hemos dicho anteriormente, el grupo no disfrutaba de sus actuaciones en directo, y un 29 de agosto de 1966, en el Candlestick Park de San Francisco, el grupo da su último concierto en vivo. Significó el final de una etapa de cuatro años, en las que dieron la barbaridad de 1400 recitales alrededor del mundo entero.
        

Este hecho no significó, ni mucho menos, que el grupo dejara de sacar discos. En noviembre de 1966, los Beatles se metieron en el estudio para grabar el que, para muchos, fue el mejor trabajo del grupo y también, para otros muchos, el mejor disco de la historia, “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”:

Como podéis observar, la portada, considerada por muchos expertos la mejor de la música, está repleta de personajes importantes de la historia de la Humanidad. Si tenéis curiosidad por saber quien es quien, os dejo estas fotografías hechas en el Museo de los Beatles, de Liverpool. Fijaos bien:

En este disco, los Beatles alcanzaron cotas de calidad musical como nunca habían tenido. Al no salir de gira, podían dedicar mucho más tiempo a la producción y a los detalles. Concretamente, 129 días fueron los que tardaron en terminarlo. Así, el 1 de junio de 1967 salió a la calle esta obra de arte, que contiene temas como “A day in the life”, el que da nombre al álbum, o la maravillosa “Lucy in the sky with diamonds”. Vamos a escuchar “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”; fijaos qué distinto suena de lo que hemos escuchado hasta ahora:

          Turno de “Lucy in the sky with diamonds”:

           El 25 de junio estrenaron en televisión un nuevo sencillo en el programa Our World, “All you need is love”. Este programa tuvo la peculiaridad de ser el primer programa de la historia en ser retransmitido vía satélite a todo el mundo. La canción se convirtió automáticamente en un himno de la época:

Trágicamente, dos meses después ocurrió algo que significó el principio del fin del grupo. Estando de vacaciones, recibieron una llamada informándoles que su manager y mano derecha, Brian Epstein, había fallecido en extrañas circunstancias.

 A partir de este momento, sin el “timón” que guiaba su carrera por el buen camino, el grupo comienza a tener desavenencias entre ellos: discusiones continuas, falta de acuerdo a la hora de componer, la relación que establece John Lennon con la artista Yoko Ono (nunca bien vista por el resto de la banda, que considera que entorpece la creatividad de John y le absorbe), y otros problemas más.

 Aún así, publican varios álbumes más. “Magical Mistry Tour” es la banda sonora de una película que no tuvo excesivas buenas críticas, la verdad…

  El 22 de noviembre de 1968 se publica el doble álbum “The Beatles”, que sería más conocido como el “White álbum”, debido al color de la portada del mismo, totalmente blanco.

           De todos los temas del LP, nos vamos a quedar con uno titulado "Obladi, Oblada", quizá la más conocida (aunque no la mejor) por las enormes discusiones y tiempo que conllevó su creación. Paul McCartney exigió una perfección nunca vista en un tema del grupo, lo que llegó a molestar, y mucho, a sus compañeros. De hecho, para John Lennon la canción era "música de mierda para abuelitas". Yo creo que tan mal no está... ¿qué opináis?

          En enero de 1969 se publica el álbum "Yellow submarine", banda sonora de una película de animación del mismo título. Contiene básicamente canciones ya escritas del grupo, como "Yellow submarine" o "All you need is love".

         "Abbey Road" fue el último disco en grabar, que no en publicar, de la banda. Las tensiones internas entre sus miembros eran más que evidentes, y la sombra de la disolución inminente. La portada del disco es una de las más famosas de la historia, presentando al grupo cruzando por un paso de cebra entre las calles Grove End Road y, claro está, la propia Abbey Road, frente a los estudios donde grabaron casi todas sus canciones desde 1962:

Esta portada tuvo muchas y divertidas versiones, como estas:

          El álbum se caracteriza por un Medley (mezcla) de ocho canciones con una duración de 16 minutos, enlazadas una tras otra, que ocupaba casi la totalidad de la cara B del disco. Nosotros no vamos a ver esta, sino la primera: "Come together", tema con un marcado estilo de rock and roll:

          Y llegamos al final de esta bonita historia. En mayo de 1970 se publica el último álbum de The Beatles (que recordad, no fue el último que se grabó), titulado "Let it be". Controvertido desde su concepción, se propusieron grabar (sobre todo Paul McCartney) un álbum para tocar un último concierto en vivo, de volver a sus orígenes (no en balde el disco iba a llamarse "Get Back", que significa "Volver"), y también hacer una película documental. Sin embargo, desde el principio se vio que la idea no resultó nada buena, ya que las discusiones eran habituales y la convivencia cada vez peor, hasta el punto que muchas canciones eran grabadas por los músicos de forma individual y luego unidas en el estudio. La primera consecuencia de esta situación fue el amago de George Harrison de abandonar el grupo, cosa que finalmente no hizo. 

         Ese último concierto que, sobre todo McCartney quería realizar, se hizo realidad finalmente...en la azotea del edificio donde trabajaban. Así, el 10 de enero de 1969, el grupo enchufó sus instrumentos, se subió al tejado, e interpretó su primer (y último) concierto desde 1966, que duró hasta que los vecinos se cansaron del ruido que hacían, llegó la policía y les obligó a poner fin al espectáculo...así eran ellos.

          Lo que sí llegó a buen puerto fue el documental, convertido en película con el título, lógicamente, "Let it be". Consiguió ganar el Óscar a la mejor banda sonora, pero fijaos como estaba el ambiente que ninguno de los miembros del grupo acudió a recogerlo...

         Pese a todo, este último trabajo nos deja tres joyas, como son "Across the Universe":

         "Get Back" (fijaos donde la tocan):

         O la última, la canción de las canciones, el grandioso "Let it be":

        Os lo reconozco, he hecho trampa... este vídeo no pertenece a una actuación de los Beatles. Pertenece a una actuación en solitario de Paul McCartney, mucho más actual... sea como sea, la canción es maravillosa.

        Finalmente, el 31 de diciembre de 1970, Paul Mc Cartney presenta una demanda para la disolución del grupo. Legalmente, y debido a las múltiples disputas legales entre ellos, la separación oficial de la banda no se produjo hasta 1975.

        Después de esto, los miembros de The Beatles continuaron sus carreras en solitario, todos con éxito: Paul McCartney sigue llenando estadios a día de hoy; Ringo Starr continúa con sus conciertos en diferentes formaciones; George Harrison, que también tuvo una exitosa carrera, falleció en 2001 a consecuencia de un cáncer de pulmón; mientras que John Lennon, que dejó varios himnos inmortales en su trayectoria como solista, fue asesinado por un fan en la puerta de su casa en Nueva York, el 8 de diciembre de 1980.