ROCK AND ROLL

         Y llegamos al estilo que representó una auténtica revolución. Musicalmente, por supuesto, pero también en la sociedad. Deberemos remontarnos a comienzos de los años 50 para entender qué supuso el fenómeno del rock and roll. Debéis tener en cuenta que el mundo salía de la Segunda Guerra Mundial. Europa estaba destruida, y Estados Unidos se proclamó como país ejemplo de libertades frente a otras corrientes políticas que surgían en el este de Europa (el comunismo). Sin embargo, la nueva generación de jóvenes estaba dispuesta a sembrar la semilla del inconformismo, ya no aceptaba el mundo tal como era, sino que querían hacerlo mejor, dirigían sus protestas hacia todo lo que ya estaba establecido. Y una de las nuevas armas que utilizaron para luchar contra todo eso fue, precisamente, la música.

         El rock and roll es, musicalmente, una mezcla de varios estilos e influencias: rhythm and blues, country, blues… Según muchos autores, el inicio del rock and roll se podría establecer el 12 de abril de 1954, con la publicación del tema “Rock around the clock”, grabado por Bill Haley & His Comets:

         Otros muchos autores no están de acuerdo con esta afirmación, podría haber sido antes, o después, que más da, en realidad… Lo que sí podemos afirmar es quien fue el principal artífice de que esta nueva música que acababa de nacer se fuera haciendo conocida por todo el mundo: Alan Freed:

         Alan Freed nació en Philadelphia. Era uno de tantos DJ’s de la América de los años cincuenta pero, a diferencia de otros, Alan tenía muchas inquietudes artísticas, y deseaba hacer algo nuevo, algo diferente. En su radio no sonaba la música porque fuera un éxito o porque se vendiera bien, él siempre buscaba la calidad y variedad. Esa nueva música que empezaba a sonar necesitaba un nombre, y fue él quien la bautizó como Rock and Roll. Pero no sólo era una nueva música, era una forma de vida, casi una religión, que sus seguidores llevaban a cabo con total devoción, que llegó a provocar una revolución social, como hemos dicho anteriormente.

         Sin embargo, la fulgurante carrera de Alan Freed tuvo una no menos rápida caída. Fue implicado, y posteriormente condenado, por un gran escándalo de sobornos que, presuntamente, ocurrían en la poderosa industria musical estadounidense, lo que fue conocido como el “Escándalo Payola”.

         Pero vamos con lo que nos interesa. Deberemos empezar por uno de los artistas considerados como “padre” del rock and roll:

CHUCK BERRY

         Nacido en San Luis en 1926 y fallecido en la misma ciudad en 2017, Chuck Berry es considerado como el creador del rock and roll, porque fue el primero que utilizó todos los elementos que definen este estilo. Logró romper las barreras de popularidad entre la música blanca y negra de su tiempo. Su forma de tocar nerviosa, frenética, casi histérica, era un estilo único que le hizo ser muy conocido en poco tiempo.

         Estudió en la Summer High School, el primer instituto para afroamericanos del oeste de Mississippi. Allí se interesó por la música, aprendiendo a tocar la guitarra de forma autodidacta.

         Pese a provenir de una buena familia, las malas compañías hicieron que Berry terminara en un reformatorio durante tres años antes de cumplir los dieciocho años, donde formó un grupo de canto. Pero no fue su única experiencia entre rejas, ya que volvió a la cárcel en dos ocasiones más durante su vida. Los que le conocían decían que estas vivencias le cambiaron su personalidad, volviéndole “frío, muy distante y cortante”. 

         Musicalmente, ha sido creador de infinidad de clásicos inmortales del rock and roll, y también influencia e inspiración de muchos e importantes artistas que vendrían después (o a la par), como John Lennon, Angus Young Bob Dylan o Keith Richards.

         Vamos a ver cinco de esos grandes temas. El primero es del año 1955, “Maybellene”, que se podría considerar como su primer gran éxito.

       Seguimos en orden cronológico. La siguiente canción es de 1957, “School days”.

         Otro número uno, “Sweet Little sixteen”, del año 1958.

         La siguiente se llama “You never can tell”, de 1964, que en el año 1994 volvería a estar de plena actualidad gracias a una mítica escena de la película “Pulp Fiction”, dirigida por Quentin Tarantino, en la que los personajes de Uma Thurman Y John Travolta hacen un no menos mítico baile al son de la canción. Aquí la tenéis:

          No puedo resistirme a poneros esta joya. En un concierto que Bruce Springsteen estaba tocando en Leipzig (Alemania), un fan le lanzó un cartel pidiéndole que tocara “You never can tell”… Ante la atónita mirada de la banda, que no se lo podía creer, Bruce le pidió a su gente que improvisara sobre la marcha una versión de tan mítico tema. Fijaros que maravilla, por algo le llaman “The Boss”…

Y para la última me he dejado mi favorita, la grandiosa “Johnny B. Goode”, de 1958, considerada por muchos especialistas como el mayor himno de la historia del rock. Disfrutadla.

          Esta canción ha sido versionada mil millones de veces…o más. De hecho, incluso el propio Chuck Berry hacia sus propias variaciones del tema cada vez que lo tocaba. Mirad este ejemplo. Podéis ver que es bastante más lenta. Y muy atentos también a la forma que tiene de moverse en el escenario:

Este paso tan singular lo inventó él. Se llama “Paso de pato”, y ha sido imitado, entre otros, por el guitarrista de AC/DC Angus Young (que lo ha hecho tan característico suyo como el propio Berry).

Pero si hay una versión brutal del Johnny B. Goode, es la que hicieron los británicos Judas Priest en el año 1988, dentro de su álbum “Ram it Down”. Os aviso, no tiene absolutamente nada que ver, excepto la letra…pero a mí me vuelve loco.

JERRY LEE LEWIS

         Personaje con una tumultuosa vida personal, Jerry Lee Lewis nace en 1935 en Luisiana, Estados Unidos, y desgraciadamente nos acaba de dejar el pasado 28 de octubre de 2022. Conocido con el apodo de “The Killer”, es decir, el asesino, por su fuerte personalidad y su espectacular puesta en escena, fue considerado como una alternativa a la enorme popularidad de Elvis Presley, aunque su popularidad decayó durante los años setenta por diferentes escándalos en su vida privada.

         Comenzó a tocar el piano siendo muy joven. Sus padres, viendo el talento que tenía su hijo, hipotecaron la granja donde vivían para poder comprarle un piano. Su primera actuación pública se dio en 1949, son solo 14 años de edad.

En 1957 se publica el primer gran éxito de Lewis: “Whole Lotta Shakin’ Goin’ on”, que vendió seis millones de copias en todo el mundo:

De 1958 es este tema, “High School Confidential”, que apareció en la banda sonora de una película con el mismo nombre, en la Lewis actuó.  Vamos a ver y oír la canción…¿¿alguien sabe el nombre del guitarrista que se suma a la fiesta??

          A partir de este año, su vida personal entra en un caos absoluto. Los escándalos y las tragedias su suceden de forma continua. Los matrimonios fracasados, sus problemas con las drogas (que casi le cuesta la vida), y dramas en su vida (pierde a dos de sus mujeres y a otros tantos hijos a temprana edad), hacen que su carrera profesional caiga en popularidad de forma vertiginosa.

         En 1989, la película “Great balls of fire”, que en España se llamó “Gran bola de fuego”, basada en sus primeros años de carrera, le devolvió a la popularidad:

Para terminar, vamos a escuchar precisamente este tema, sin duda el más importante y famoso de su carrera. Pero lo vamos a hacer extrayendo una escena de la película, en la cual se narra una anécdota nunca demostrada: se dice que en un concierto de Chuck Berry en Nueva York, Jerry Lee Lewis fue contratado como telonero. Esto parece que no le hizo mucha gracia, ya que opinaba que, si en ese momento el mayor éxito era suyo, él no debía ser telonero de Berry, sino al revés. Como no lo consiguió, fijaros lo que hizo en el escenario:

         En realidad, no se sabe si sucedió realmente así. La provocación hacia Berry y el incendio existieron, aunque no se ha podido demostrar si fue como realmente se cuenta o fueron dos sucesos diferentes en días distintos….sea como sea, la leyenda está ahí…

TINA TURNER

         La indudable reina del Rock nació el 26 de noviembre de 1939 en Tennesse, Estados Unidos, y falleció hace muy poco, el 24 de mayo de 2023 en Zurich (Suiza). Comenzó su gran carrera en el grupo del que sería su marido Ike Turner, del que se separó años después para iniciar su carrera en solitario. 

       Indudablemente, podemos señalar dos partes en la carrera de Tina Turner. La primera transcurre desde 1957, cuando cumple 18 años e ingresa en la banda de Ike Turner, Ike Turner and his Kings of Rhythm. En 1966 publican su primer gran éxito, titulado “River Deep – Mountain High”, producida por el famosísimo Phil Spector, tema que escuchamos a continuación:

En 1971 publican el que fue su último gran éxito como grupo, “Proud Mary”, que en realidad es una versión de una canción que John Fogerty creó para su banda, la Creedance Clearwater Revival, pero que Tina convirtió en hit absoluto:

       En 1976 el matrimonio se separa, artística y personalmente, ya que Ike estaba muy enganchado a la cocaína y se mostraba violento con Tina. A partir de aquí, empieza una grandísima carrera en solitario. Saltamos al año 1984, año que publica el disco “Private Dancer”. Vamos a escuchar el tema que da nombre al álbum:

También de este disco es esta maravillosa canción, “What’s love got to do whit it”:

Al año siguiente, Tina se atreve con el cine, y protagoniza, junto con Mel Gibson, la distópica película “Mad Max 3, más allá de la cúpula del trueno”, uno de los éxitos de taquilla de aquel año. Aparte de recibir críticas muy positivas por su trabajo, participó con dos temas en la banda sonora del film. Uno de ellos es el muy conocido “We don’t need another hero”:

Las dos últimas canciones que vamos a escuchar de Tina Turner pertenecen a su disco “Foreign Affair”, publicado en 1989. La primera es la balada “I don’t wanna lose you”, en un concierto que ofreció en 1990 en Barcelona:

Para terminar, escuchamos el tema más famoso de Tina, la que la convirtió en inmortal, si no lo era ya, la imprescindible “The best”. Curiosamente, tampoco era una canción original suya, es una versión de la cantante inglesa Bonnie Tyler. Indudablemente, la de Tina tuvo mucho más éxito:

ELVIS PRESLEY

         Elvis Aaron Presley nació en 1935 y murió en 1977, como consecuencia de un fulminante ataque al corazón, fue uno de los cantantes y actores más populares del siglo XX.

          Elvis tuvo unos difíciles inicios artísticos, ya que tuvo que escuchar de muchas personas “que no servía para cantar”. Pero él sí que creía en sus posibilidades y en su talento, y poco a poco consiguió hacerse un nombre en la industria. Así, en 1956. La compañía RCA publicó el primer disco de Elvis, titulado como su nombre, “Elvis Presley”. También en este año, consiguió su primer número uno, “Heartbreak hotel”, pero que, curiosamente, no se publicó en el disco, sino como sencillo. Vamos a escucharlo:

         Este 1956 fue un buen año de producción musical para él, ya que publicó varios temas más que se convertirían en absolutos himnos. La primera es “Hound Dog” (aunque realmente era una versión). Aquí la tenéis: 

         La segunda se titula “Don’t be cruel”:

         Antes de escuchar la tercera, debéis saber que Elvis era, en este momento, el artista más famoso e importante de Estados Unidos, en parte gracias a sus apariciones en el programa de televisión “The Ed Sullivan Show”, el más importante del momento allí. Fijaros hasta qué punto era así, que el 9 de septiembre de 1956 estrenó la balada “Love Me Tender” en el programa unos días antes de que se comenzara a vender en tiendas. Pues bien, tuvo tanto éxito en televisión que la compañía RCA ¡¡recibió un millón de solicitudes de venta anticipada del sencillo!! Por cierto, este tema tampoco es original de Elvis, es otra versión…se le daba bien hacerlo. Vamos a escucharla:

         También en este intenso año Elvis debutaba como actor, en la película “Love Me Tender”…evidentemente, aprovecharon el éxito de la canción para titularla así ya que, en un principio, iba a haberse titulado “The Reno Brothers”.

         Al año siguiente, en 1957, Elvis estrena su segunda película, “Jailhouse Rock”, que tuvo su correspondiente, y no menos famosa, canción:

         Después de dos años de servicio en el ejército, Elvis regresó con la balada “It’s now or never”:

        A partir de aquí, Elvis combinó ambas carreras, la de actor y la de cantante, aunque es verdad que se centró mucho más en la de actor, hasta el punto que le afectó en la de cantante.

         En esta época, muchas de sus canciones más populares venían de sus películas, como por ejemplo esta “Return to Sender” que vamos a escuchar:

        Para finalizar, vamos a escuchar uno de los temas más icónicos de Elvis que, cosas que pasan, en su momento no tuvo demasiado éxito. También fue compuesto para una película, y ambas se llaman igual, “Viva las Vegas”:

QUEEN

         Corría el año 1968 cuando Brian May y Roger Taylor formaron el grupo Smile. Un poquito más tarde, en 1970, cambian de vocalista y entra en la banda un tal Farrokh Bulsara, más conocido como Freddie Mercury. Al poco de entrar Freddie, el grupo cambia su nombre por el que pasarían a la eternidad, Queen. Finalmente, en febrero de 1971 entró en el grupo John Deacon, y la banda nunca volvió a cambiar de integrantes.

         Queen es una banda fundamental en la historia de la música. Básica por su diversidad de estilos, por la influencia en el desarrollo del hard rock y del heavy metal en grupos que vinieron después. Pero sobre todo, porque fueron una de las primeras agrupaciones que hicieron de sus conciertos auténticos espectáculos, que llegaban más allá de la música. Eran realmente muy vistosos: usaban bombas de humo, espectaculares juegos de luces móviles, buscando la participación activa del público, intentando que se sintieran parte activa del show, y no sólo meros espectadores. Se puede decir sin temor a equivocarse que fueron claves en el desarrollo de estos espectáculos en grandes recintos, como estadios de fútbol, como los realizados en el Live Aid de 1985 (que luego veremos) o su épico concierto en Wembley en 1986, por citar dos ejemplos.

         Tras una etapa de búsqueda de una compañía que les publicara un disco, en 1973 EMI es la encargada de hacerlo. Su primera obra se llamó “Queen”, que no tuvo precisamente buena acogida ni en ventas ni en crítica, pero que sirvió para que el grupo se fuera haciendo poco a poco con una legión de fieles seguidores. En cambio, el segundo disco, llamado, en un alarde de originalidad, “Queen II”, sí consiguió buenas ventas y un reconocimiento mayor por parte de los críticos, y sentó las bases del sonido del grupo en el futuro.

         Fue con el tercer trabajo, titulado “Sheer Heart Attack”, cuando Queen consigue reconocimiento mundial, llegando al número 2 de ventas en Inglaterra y quedándose durante 42 semanas en dicha lista. Tenemos grandes temas aquí, como “Now I’m here”, “Stone Cold Crazy” o la que vamos a escuchar a continuación, “Killer Queen”:

         En 1975 Queen realiza su primera gira mundial y publica su cuarto disco, “A night at the Opera”, que significó una gran evolución en la música de la banda. Fue la producción más cara hasta ese momento, aunque mereció la pena: permaneció en la lista de más vendidos durante  18 meses, y su tema estrella, la imprescindible “Bohemian Rhapsody”, fue su primer número uno. La banda decidió, como se hacía muchas veces, realizar un videoclip para promocionarla, pero como novedad, se utilizaron efectos especiales, cosa que nunca se había hecho antes. A partir de este momento, la calidad de los videoclips subió exponencialmente, siendo algunos de ellos (no solo de Queen, evidentemente) auténticas obras de arte.

         “Bohemian Rhapsody” ha sido considerada en muchas ocasiones como la mejor canción de todos los tiempos (en lucha con “Stairway to heaven”, recordad). Si me preguntáis a mí, me quedo con la de Queen... y vosotros, ¿con cuál os quedáis?:

          El siguiente disco fue “A day at the races”. Con toda probabilidad no lo habréis observado, pero el título de estos dos discos son homenajes a películas de los Hermanos Marx. Vamos a escuchar un tema que, personalmente, me encanta, “Tie your mother down”:

         El sexto disco, “News of the world”, contiene dos de las más míticas canciones de Queen que todos conocéis: la primera es “We are the Champions”:

         La segunda es: “We will rock you”:

          Estoy seguro que habéis visto la preciosa guitarra de Brian May. Pues tiene una historia muy peculiar. Se llama Special Red, y se la construyó el propio May con la ayuda de su padre cuando tenía solo 16 años, ya que su familia no podía comprarle una guitarra de fábrica. Para su construcción utilizaron restos de objetos que iban encontrando y que iban a ser tirados a la basura. Tardaron 18 meses en terminarla, y costó unas 18 libras de aquella época. Una vez terminada, siguió experimentando porque no sonaba como él quería. Finalmente, descubrió que tocando con una moneda de seis peniques, y no con una púa como es lo habitual, conseguía el sonido limpio y puro que quería. Tan contento quedó con su obra, que Brian May tocó toda su vida con esa guitarra, siempre la misma (excepto en contadas ocasiones), y aún lo sigue haciendo.

         La siguiente canción es “Crazy Little thing called love”, tema de marcado estilo rockabilly en la que se puede ver como Queen eran capaces de hacer temas de los más diversos estilos. Podéis ver dos cosas novedosas: la primera, Freddie toca la guitarra rítmica en este tema, y la segunda, Brian May toca dos guitarras diferentes, una Fender al comienzo y su Special Red hacia el final:

         Dentro de la necesidad que Queen tenía de experimentar y descubrir nuevos sonidos, aceptaron el encargo de realizar la banda sonora de la película “Flash Gordon”. No nos engañemos, tuvo el mismo éxito que la propia película, es decir, más bien escaso…

         El 3 de noviembre de 1981 el grupo lanzó su primer recopilatorio, Greatest Hits. Este disco ha sido el más vendido de la historia del Reino Unido, por delante del Sgt. Pepper’s de los Beatles, permaneciendo 450 semanas en las listas!!

         En 1982 se publica “Hot Space”, disco que tuvo muy poco éxito. Con un sonido muy diferente al de anteriores trabajo, más cercano al pop y a la música disco, fue muy criticado por expertos e incluso por sus seguidores. No obstante, este trabajo tiene una maravillosa canción llamada “Under Pressure”, que tuvo un colaborador de excepción, el gran David Bowie:

         Si os suena su cara, es porque habéis visto la película “Dentro del Laberinto”, en la que hacía el papel de Rey de los Goblins. Si no la habéis visto, ya tenéis algo que hacer…

         Y aquí tenéis “Under Pressure”:

         Después de este disco, se tomaron un año sabático. Ya en 1984 volvieron con toda su fuerza con el álbum “The Works”, con grandes temas como “Radio Ga Ga”, “It’s a hard life”, “Hammer to fall” o la que vamos a escuchar, “I want to break free”, cuyo videoclip es uno de los más recordados de la banda… Ved porqué:

        Curiosamente, la popularidad de la banda comenzó a disminuir en Estados Unidos. Por ello, se dedicaron a girar por países poco visitados, en África, América del Sur, Asia u Oceanía. El 13 de julio de 1985 fueron invitados a actuar en el festival Live Aid, en el que se buscaba financiación para luchar contra una hambruna brutal que asolaba África en aquella época. Todos coincidieron en que Queen fueron los mejores…

        El siguiente disco en publicarse fue “A kind of magic”, de 1986. Básicamente, es la banda sonora de la película “Los Inmortales” (a excepción de tres). Tenemos temas como “One Vision”, “A kind of magic” o “One year of love”, vamos a escuchar dos canciones, una de la película y otra que no pertenecía a ella. Empezamos por esta última, se trata de la preciosa “Friend will be friends”:

        La siguiente sí pertenece a la banda sonora. Es la inmortal “Who wants to live forever”:

          La gira que vino a continuación de la publicación de este disco, llamada “Magic Tour”, fue tremendamente exitosa, llenando estadios enormes y vendiendo todas las entradas en unas pocas horas.

         Los años siguientes los miembros de la banda anunciaron que no darán más conciertos porque querían un tiempo de relajación. Cada uno se dedicó a temas personales. Trágicamente, a Freddie se le diagnosticó en este periodo que había contraído la enfermedad del SIDA, aunque no lo hiceron público hasta mucho después.

         Así pues, el Magic Tour fue el último en que Freddie salió de gira con Queen. Sin embargó, publicaron dos discos más.

         El primero fue “The Miracle”, de 1989, con canciones tan destacadas como “Breakthru”, “The Invisible Man” o este “I want it all”:

         Para entonces, la salud de Freddie ya estaba muy deteriorada. Sin embargo, él insistió en hacer un nuevo trabajo. Así, el 4 de febrero de 1991 salía a la luz “Innuendo”. El esfuerzo que hizo Mercury fue titánico, ya que debido a su enfermedad caía vencido por el cansancio continuamente. No obstante, él nunca se quejaba, y lo único que deseaba era terminar su trabajo antes que llegara su propio final.

         De este disco destacamos la canción que da título al disco, “Innuendo”:

         Y por supuesto, la que significó la despedida de Freddie, “The show must go on”, es decir, el espectáculo debe continuar. Escrita por Brian May para Freddie, quien se encontraba ya muy enfermo, esperando el desenlace fatal:

         El 22 de noviembre de 1991, Freddie realizaba un comunicado oficial confirmando lo que era un secreto a voces: estaba enfermo de SIDA. Sólo dos días después, fallecía en su casa de Londres, yéndose la que, quizá, fue la mejor voz de la historia de la música popular.

         El 20 de abril de 1992, en Wembley, se realizó un concierto homenaje a Freddie, participando estrellas mundiales como Robert Plant, David Bowie, Annie Lennox, Guns and Roses, Metallica, Elton John, Liza Minelli y otros muchos.

         En 1995 Queen logró completar el álbum “Made in Heaven”, usando voces que Freddie dejó grabadas antes de su muerte y añadiendo material inédito.

         Por último, en 1997, se grabó la que es, hasta hoy, la última canción compuesta por Queen, “No one but You (only the good die Young), un emotivo homenaje del grupo hacia Freddie, cantado por Brian May:

BLUES

        El blues es un género musical originario de las comunidades afroamericanas del sur de Estados Unidos a comienzos del siglo XX. Las canciones de blues son más líricas que narrativas; el cantante intenta expresar sentimientos en lugar de contar historias, donde por lo general se manifiestan emociones tales como la tristeza o la melancolía, a menudo debido a problemas en el amor, aunque no exclusivamente, ya que también se tratan otros temas como canciones de trabajo, espirituales o de oración.

        La importancia del blues es tal, que influyó mucho en otros estilos que aparecerían posteriormente, sobre todo en el rock and roll y los estilos que se derivaron de él.

        El blues es un estilo vocal e instrumental. Sin embargo, hay temas de blues donde no aparece el cantante, son meramente instrumentales. El instrumento fundamental de este estilo es la guitarra, bien acústica o eléctrica. Muy importante también era el uso de la armónica y su característico sonido.

       Hay infinidad de artistas que han tocado grandes canciones de blues y han contribuido al desarrollo del género. Vamos a ver unos cuantos de ellos:

JOHN LEE HOOKER

         Nació en una granja en Mississippi en 1912 y falleció en California en 2001. En 1928 sus padres se separaron y el pequeño John se fue a vivir con su madre. Este hecho fue decisivo en su vida, ya que ella se casó de nuevo, y lo hizo con un músico de blues que le enseñó a tocar la guitarra. Posteriormente emigró hacia el norte, donde poco a poco se fue labrando una carrera musical.

         Su primer gran éxito llegó en 1948, con el sencillo “Boogie Chillen”. John Lee Hooker tenía un estilo muy personal, ya que rítmicamente su música era muy libre, pues no seguía los patrones característicos del blues.

         Continuó tocando hasta los últimos días de su vida, bien en solitario o en grupo, incluso con colaboraciones de otros grandes músicos. Como curiosidad, participó en la película de 1980 “The Blues Brothers”, de la que hablaremos un poquito más adelante.

Aquí tenéis uno de los grandes éxitos de John Lee Hooker: “Boom Boom”

MUDDY WATERS

         Nacido como McKinley Morganfield, Muddy Waters nació en Mississippi en 1913 y murió en Illinois en 1983. Está considerado como uno de los más grandes artistas de todos los tiempos (según la revista Rolling Stone, el número 17, para ser exactos).

         Su primera grabación la realizó para la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en 1940. Finalizada la segunda guerra mundial, se trasladó a Chicago, donde se convirtió en el jefe de los que se llamó el “Chicago Blues”.

         Ha sido influencia de muchísimos e importantes músicos que vinieron después, como por ejemplo los Rolling Stones, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Eric Clapton o Angus Young (guitarrista de AC/DC), entre otros.

        Aquí tenéis un tema de fácil nombre: “Got my mojo working”

         Y ahora un vídeo muy curioso. Tenemos a nuestro amigo Muddy con su grupo interpretando “Baby please don’t go”, cuando reciben una bonita sorpresa: los mismísimos Rolling Stones, que por supuesto se suman a la fiesta…

B.B.KING

         Riley Ben King vino al mundo en Mississippi en 1925, y se fue de él en Las Vegas hace poquito, en 2015. Su primer contacto con la música lo tuvo cantando en un coro de góspel en una iglesia. En 1943 abandonó su pueblo natal, donde sobrevivió como conductor de tractor y tocando la guitarra en iglesias de la zona y en la emisora de radio WGRM. Poco a poco fue haciéndose un nombre en el mundo de la música, hasta que en 1952 consigue su primer éxito de ventas con “3 O’Clock Blues”. De aquí hasta 2007, B. B. King desarrolló una prolífica carrera (por algo le llamaban el Rey del Blues), donde su voz potente y su personal técnica interpretativa se convirtió en influencia para artistas que se fijaron en él, como Eric Clapton o Gary Moore, y con los que colaboró en algunos de sus discos.

         Como curiosidad, B. B. King llamó a sus guitarras Lucille. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado dentro su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de esta mujer...Lucille.

         Veamos su primer éxito, que como decíamos es "3 O’Clock Blues”:

Y aquí otro, de 1969, titulado “The thrill is gone”:

GARY MOORE

         Nacido en Irlanda del Norte en 1952 y fallecido en Estepona (España) en 2011, fue guitarrista, vocalista y productor de blues, entre otros géneros. Inició su carrera en el importante grupo Skid Row con solo 16 años, aunque su estancia en el grupo le duró poco tiempo. A finales de los setenta inició su extensa y exitosa carrera en solitario, alternando el hard rock, heavy metal y, claro está, el blues.

         Su música, según él mismo reconocía, estaba influenciada por grandes músicos, como B. B. King, Jimmy Page, Eric Clapton o Jimi Hendrix, y a su vez influenció en otros grandísimos guitarristas como Randy Rhoads, Slash o Kirk Hammet.

         Vamos a ver el que fue su primer gran éxito, “Parisienne Walkways”, del álbum Back on the Streets, del año 1979.

Lógicamente, podríamos ver muchos temas más suyos, y de varios estilos, pero vamos a ver el que, en mi opinión, es su obra maestra. Un bellísimo y emotivo tema sobre el amor, “Still got the blues”, donde Gary Moore extrae de su Gibson Les Paul unas notas que consiguen estremecernos…

ERIC CLAPTON

         Nació en Inglaterra en 1945, y afortunadamente aún está entre nosotros. Clapton no ha tenido una vida sencilla. Creció creyendo que sus abuelos eran sus padres. Descubrió la verdad a los nueve años, cuando se enteró que la que él creía que era su hermana mayor era en realidad su madre. También ha recibido duros golpes durante toda su vida, con el fallecimiento de familiares y amigos muy cercanos, incluso de su hijo de cuatro años.

         Eric Clapton, apodado “mano lenta”, es un artista tremendamente influyente en otros y respetadísimo por crítica y público, ha desarrollado su carrera musical tanto en importantes grupos como en solitario, de varios estilos. Entre los primeros, podemos destacar The Yardbirds, Blind Faith, Derek and the Dominos y, sobre todo, Cream, considerado como el primer gran grupo de rock de la historia.

         Su carrera musical ha estado condicionada por las múltiples adicciones que ha tenido a lo largo de su vida: drogas, alcohol… de los que, afortunadamente, a día de hoy está totalmente recuperado.

Vamos a disfrutar un par de canciones de Eric Clapton. He seleccionado estas, aparte de por su indiscutible calidad musical, por la historia que tienen detrás.

         La primera es “Layla”, de su época en Derek and the Dominos. La canción es una historia autobiográfica del propio Clapton, cuando se enamora locamente de Pattie Boyd, esposa de su amigo George Harrison (miembro de los Beatles). Ella le rechazó, y él escribió esta canción. Por cierto, años más tarde, terminarían casándose… La canción no tuvo gran acogida cuando se publicó; sin embargo, ha terminado convirtiéndose en una de las grandes canciones de amor de la historia… ¿a vosotros qué os parece?

La historia de la segunda es mucho más trágica. Está escrita en memoria de Conor, hijo de Eric Clapton, quien murió al caer accidentalmente al vacío desde la planta 53 de un rascacielos de Nueva York, cuando tenía cuatro añitos y medio. Escuchadla y leed la letra, que está subtitulada…a mí se me ponen los pelos de punta cada vez que la oigo.

Y, como estoy seguro que os ha gustado, vamos a aprender a tocarla: